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Lección 4: La Polifonía y sus etapas: Primitiva, de Transición y Clásica
Lección 4: La Polifonía y sus etapas: Primitiva, de Transición y Clásica

La Polifonía fue un gran paso en la historia de la música occidental


Por: Martín Jesús Pacheco Ochoa y Juan Pablo Pira Martínez | Fuente: Catholic.net



La Polifonía y sus etapas:
Primitiva (Organum, Discantus Fa Bordón), de Transición (Machaut, Ockhegem, Josquin) y Clásica (Palestrina, Victoria y Lassus)






Antecedentes de la Polifonía en la música profana

La Polifonía fue un gran paso en la historia de la música occidental que fue posible por la maduración de las condiciones musicales, eclesiásticas y sociales. Los teóricos musicales de la edad media, casi todos ellos monjes instruidos, perfeccionaron el sistema tonal y propiamente crearon una "teoría musical". Esto permitió el desarrollo general de la música y sentaron las bases para impulsar sus cambios los cuales desembocarían en la Polifonía como inicio musical del 2° milenio. Aquí encontramos los primeros nombres de músicos y teóricos ya que hasta entonces los compositores pasaban como "anónimos".


Juglares y Trovadores:

Es la primera referencia importante que tenemos de música profana. Con los trovadores y los juglares tenemos el florecimiento de la composición popular y lirica medieval.

Los juglares tienen sus orígenes hacia el siglo VI en las ambulantes compañías de artistas llamados mimi ohistriones entre los que habían malabaristas, actores, domadores y desde luego músicos. A estos artistas se les llamó ioculares que significa gracioso. En el siglo X sin embargo, muchos de estos rudimentarios artistas se hicieron hábiles músicos, que llevaban en sus cantos las noticias sucedidas en los sitios de guerra principalmente. Este desarrollo los elevo a una categoría especial de artistas populares y al mismo tiempo lejos de las a veces vulgaridades realizadas por los histriones y mimi. Tal actividad permitió que la lengua vulgar, la que usaba el pueblo se difundiera permitiendo el desarrollo de una literatura popular. Las historias contadas por los juglares eran a veces los únicos medios para conocer las noticias.

La "trova" es una expresión que deriva del verbo trovare que significa "llevar". Es un arte musical centrado en la mujer. Se trata de canciones amorosas generalmente cuya primera noticia de su practica se tiene en la región francesa de Provenza. Para su surgimiento confluyen varias circunstancias como el auge del culto a la Virgen María, la ideología Caballeresca derivada de esta, y el fortalecimiento de la monarquía en Francia.

Los trovadores eran de origen aristocrático a diferencia de los juglares, razón por la que recibían desde muy jóvenes una solida preparación propia de los miembros de la corte. En muchas ocasiones los trovadores componían sus melodías para que fueran difundidas por los juglares. Muchos de estos últimos que lograban dominar las artes compositivas podían ascender al rango de trovador. Hay aproximadamente 350 trovadores registrados nada mas en Francia e Italia siendo los más renombrados Guillermo de Poitiers (1071-1126), Bernart de Vetadorn (1147.1170) rememorado por Dante y Marcabru (1125-1248)


LA POLIFONIA Y SUS TRES ETAPAS

Por Polifonía entenderemos la producción simultánea de varios sonidos musicales, y en un sentido mas estrecho, y para efectos de nuestro estudio, la producción simultanea de varias melodías cantadas o “voces” según ciertas reglas y procedimientos. Tal evolución en la música es consignada ya desde épocas mucho mas antiguas y en pueblos como el Griego, el Egipcio y aun en el Chino. En Occidente tras el largo reinado de un milenio de la Monodia (canto a una sola voz) vino a ser una evolución trascendente.

Nuevamente a partir de experimentos que se desarrollaron en el más flexible ámbito popular, los músicos experimentaron de varias maneras en busca de sonoridades nuevas. Basándose en estrictos estudios matemáticos y algunas influencias de la música popular, hacia el siglo IX aparecieron Los primeros tratados musicales al respecto que fueron la Musica Echiriadis y la Schola Enchiriades conteniendo los principios que regirían la primera etapa de desarrollo polifónico.

Cabe aquí hacer mención que el material sonoro tornado como punto de partida fueron las melodías gregorianas adaptadas o fraccionadas, y casi siempre alteradas en su ritmo (decadencia rítmica) o en su secuencia melódica (decadencia melódica). La melodía gregoriana base recibía el nombre de Cantus Firmus. Recordemos que estamos en pleno periodo GÓTICO, por lo que a esta música suele llamársele Música Gótica.


El Gótico: período de la luz y y del afán de cielo

La arquitectura Gótica se caracterizó por la altura de sus construcciones. Es el triunfo de la verticalidad, a diferencia del Arte Basilical caracterizado por la horizontalidad. La altura para ser definida requiere de un horizonte de referencia. En la Música ocurre también un triunfo de la verticalidad (superposición de las voces o melodías) por encima de la horizontalidad (monodia gregoriana), y la melodía base llamada Cantus Firmus sirve de horizonte de referencia al oído para esta "construcción sonora vertical”.


1ª ETAPA: POLIFONIA PRIMITIVA: (Ars Antiqua)

Los primeros resultados de la práctica polifónica giraron alrededor de una técnica conocida como Organum que consistía en tomar la melodía base o Cantus Firmus y sobreponerle una o mas melodías a intervalos (distancias medidas en tonos y semitonos) de 5a,4a, y 8a

Las voces tenían un desplazamiento siempre paralelo, por eso a este Organum se le llamó ORGANUM PARALELO y fue la base de las demás formas polifónicas de su tiempo. A la técnica de superposición de las voces se le llamó CONTRAPUNTO, del latín punctum versus punctum es decir NOTA CONTRA NOTA.

  • Organum Paralelo

  • Organum paralelo 2


    Mas adelante aparecieron los otros dos tipos de polifonía primitiva en cierta forma derivados del Organum: El DISCANTUS y el FALSO BORDON (también instrumental). El primero era un Organum en el que las voces se desplegaban en sentido contrario, es decir, mientras unas subían las demás bajaban, llegando incluso a encontrarse y cruzarse. El Falso Bordón era un Organum en el que la melodía gregoriana base se hallaba precisamente en la voz mas grave. Existieron otras formas que se encuadran dentro de lo que los tratadistas llaman Organum libre, entre las que encontramos el Organum de movimiento oblicuo, o el use de las Notas Pedales al estilo de las Gaitas escocesas.

  • Discantus

  • Fa Bordón instrumental

  • Uso de notas pedales


    Maestros de la polifonía primitiva

    El primero al cual se hace referencia documental fue Magister Albertus Leonin, un maestro parisino que trabajo en la celebre Catedral gótica de Notre-Dame en París. Recordemos que por estas fechas (siglo XIII) París es el centro de cultural europeo con figuras enormes como Alberto Magno y Tomas de Aquino. El siguiente maestro en ser nombrado es Perotin excelente maestro y prolífico compositor de Organum, así como teórico que hizo su labor como sucesor de Magister Albertus. Los trabajos de ambos se encuentran codificados en el Magnus liber Organi (gran libro del Organum), importante texto que registra la técnica de composición dividido en tres manuscritos y fechado hacia el ano de 1155.

  • Viderunt omnes Perotin

  • Dulce Lignum Leonin




    2ª ETAPA: POLIFONIA DE TRANSICION: (Ars Nova)

    A principios del siglo XIV un celebre maestro al servicio de la Corte Parisina llamado Felipe de Vitry (1291 -1361) escribió un tratado de música en el que por primera vez utilizo la expresión "Ars Antiqua" refiriéndose a la explicada técnica polifónica primitiva. En consecuencia la evolucionada técnica del contrapunto fue llamada "Ars Nova" por el mismo de Vitry. (Quien por cierto trabajo en Avignon y se le consagro Obispo de Meaux)

    Las características de la nueva polifonía son:

    a) Una mayor y complicada división rítmica.
    b) Surgimiento de nuevos signos como las barras divisorias y las ligaduras.
    c) Evolución de la notación musical, independiente de la gregoriana.
    d) Surgimiento de la forma "Motete"

  • Felipe de Vitry Motete



    El motete

    Hasta este momento la principal forma musical religiosa por la polifonía era la Misa con sus partes del propio y del ordinario. Ahora surgía una nueva: el motete. Proviene del mismo Organum Se especula que el nombre "motete" proviene del francés mot que quiere decir "palabra”.

    La evolución del motete comienza en el S.XIII y se extiende hasta el XVIII, aunque posteriormente se siguieran componiendo pero en menor medida y de una forma independiente. En los siglos XIII y XIV, el motete constaba de una serie de variaciones polifónicas sobre un Canto dado o Cantus Firmus. Este cantus firmus era una melodía ya existente, de origen generalmente litúrgico, y sobre el que se basaba la composición polifónica. , también ahora fue permitido tomarla de alguna canción profana del gusto del compositor. La melodía base era dividida en fragmentos y cada fragmento alterado rítmicamente para que dure de 10 a 20 compases, construyéndose la o las nuevas melodías alrededor de ellos. A tal forma se le llamo MOTETE ISORRITMICO por conservar cada periodo una estructura rítmica igual.

    Sobre este cantus firmus, se contraponía una nueva melodía con otro texto, más amplia y variada, que se conocía con el nombre de tropo.

    “Por tanto, se denominaba motete a la voz que hacía un contrapunto sobre el rígido esquema del cantus firmus, a modo de discanto o diafonía. El cantus firmus poseía un texto corto, mientras el discanto contenía un texto con más palabras. El texto utilizado estaba escrito en latín sobre un salmo o pasaje de las Sagradas Escrituras. Posteriormente, el motete se convirtió en una obra vocal polifónica a capella, con un carácter dramático e imitativo”


    La obra de San Francisco

    Hay que mencionar una palabra acerca de San Francisco de Asís cuyos poemas eran cantados con sumo fervor y que contribuyeron a difundir su maravillosos ejemplo de vida. De él son el "Cantico de las creaturas" y el "Cántico del hermano sol”. Sus incipientes comunidades entonaban con frecuencia la musicalización de estos bellos poemas que desde la historia de la música son importantes puesto que revivieron la MONODIA a petición del mismo pobrecillo de Asís que quería sencillez para sus canticos.


    Maestros del ars nova (Polifonía de Transición):

    En Francia la figura mas importante de esta época fue Guillermo de Machault (1300-1377). El más fecundo compositor del siglo XIV. Famoso como poeta y músico, fue secretario del Rey Juan de Bohemia hasta la muerte de este y canónigo de Reims. En su creación figuran rondos, Virelais y Baladas formas musicales bailables y cantables de su tiempo. Estas composiciones curiosamente eran hechas con la forma Isorritmicareferida. Machault y sus contemporáneos todavía se encuentran en una sociedad que concibe el arte como una cuestión de RAZON y números, más que de SENTIMIENTO. Sin embargo en el hay elementos que reflejan sus conceptos personales acerca de la música.

  • Motete "Ave Maria" Josquin Des Prez

  • Motete Isorritmico Guillermo de Machault


    Otros maestros dignos de mencionarse son los de la region de Flandes o de los actuales paises bajos. (Holanda, Hennegau, Luxemburgo y Flandes). Los tres mas grandes fueron Guillermo Dufay, Jacques Ockegem, Josquin des Pres y Orlando de Lassus.

    En Italia los acontecimientos parecen más complejos dado que los historiadores encuentran ya las raíces de lo que será en la época inmediata siguiente: el Renacimiento.


    Plenitud y crisis de la Polifonía. Polifonía Clásica

    La polifonía alcanzo su plena madurez hacia finales del siglo XV y durante el siglo XVI, que coincidió con el llamado siglo de oro y otros acontecimientos tan importantes como la Reforma protestante y la Contrarreforma Católica, lo cual nos ubica en pleno Renacimiento. Los principales maestros de este período fueron: Giovanni Da Palestrina, Orlando de Lassus y Tomás Luis de Victoria. Sin embargo su desarrollo no estuvo exento de momentos difíciles. Hacia los siglos XIV y XV se dan una serie de abusos a los que la Iglesia tuvo que cortarles el paso. Entre los más serios estaban el que se compusieran piezas sobre melodías de cantos no religiosos, en muchos casos subsistiendo el texto pagano original y el religioso.

    Otro abuso no menor fue el hecho de que los compositores pusieran tanto énfasis en los logros técnicos de sus obras, que se olvidaron del verdadero propósito de la música en la liturgia: el servicio a la oración, es decir, a la palabra.

    Con tal panorama los Papas decidieron impedir el uso de la Polifonía en la Iglesia.

    Se considera a Palestrina como el gran salvador de la Polifonía, que por los abusos y excesos técnicos de muchos compositores, estuvo a punto de ser expulsada de la Iglesia. Con su Misa del Papa Marcelo demostró que podía conjugarse la técnica polifónica con la expresividad del contenido oracional de la liturgia. “…aureolada de leyenda; es una obra de la más profunda expresión que une los elementos del Renacimiento y del Barroco, vinculando la antigua tradición romana con los modernos medios expresivos.”

    Todo ello tuvo lugar bajo la protección del Papa Julio III a quien le sucedería Marcelo II a cuyo honor Palestrina tituló su Misa.

    La práctica coral quedó también salvada al conservarse el progreso alcanzado y permitirse que el cauce de la pujante música continuara. De esta forma la polifonía que aspirase a ser aceptada en la Iglesia, tendría que tener como modelo la compuesta por Palestrina.

    El Concilio de Trento no prohibió la polifonía, pero pretendió de ella gran claridad y simplificación, para que se entendiera bien el texto, exhortando al mismo tiempo a que las obras polifónicas se basaran en la temática del canto gregoriano. Palestrina, Lassus, Morales, De Victoria, Guerrero son los autores que mejor encarnan los ideales tridentinos. El Concilio de Trento intentó también potenciar el canto gregoriano, que había decaído mucho; se le llamaba “canto llano”. Pero faltaban las premisas para ello; cabría esperar unos siglos todavía para que el renacimiento del canto gregoriano se pudiera basar en estudios serios, sin los cuales no puede existir una práctica aceptable y de categoría artística.

  • Orlando Lassus Comunión de la Misa de Requiem

  • TL de Victoria "Tenebrae Facta sunt" Responsorio

  • Palestrina Agnus Dei Misa del Papa Marcelo


    EVOLUCION DE LOS INSTRUMENTOS:

    Hasta finales del siglo XV la evolución instrumental solamente fue aprovechada en la Música Profana. Los instrumentos mas comunes eran el arpa, la giga que evolucionaria a la vihuela y luego a la guitarra, la bocina latina que derivo en las trompetas el trombón y los timbales. El clavicordio surgiría de un "erchaquier d´Anglaterre”. Pero la evolución más notoria fue la de las cuerdas cuya forma nueva permitió un mayor manejo y aprovechamiento de sus posibilidades. La "lira da braccio" derivara en 2 vertientes, la "viola da gamba" y la "viola da braccio". El paso mas importante fue construir los instrumentos por familias, es decir en diversos tamaños . Todo esto es sumamente importante ya que el Renacimiento vera nacer y conformase el antecedente directo de la orquesta moderna la cual seria utilizada magistralmente por Monteverdi.

  • Orquesta de Monteverdi Instrumentos originales





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